Вазопись Древней Греции
Вазопись Древней Греции
Реферат по дисциплине “История искусств”
по теме:
Вазопись Древней Греции
выполнила:
проверил:
Москва 2006
Содержание
Введение
1.
Гомеровский период
2.
Архаика
3.
Классика
3.1.Ранняя классика
3.2.Высокая классика
3.3.Поздняя классика
4.
Эллинизм
Список используемой
литературы
Введение
Древнегреческое искусство заняло в истории
культуры человечества особо важное место. Это в значительной мере объясняется
своеобразием исторического развития Древней Греции, где, несмотря на
существование рабства, долгое время большую роль играл свободный труд
ремесленников и землевладельцев. Лишь к концу 5 в. до н. э. рабовладение стало
оказывать разрушительное действие на труд свободного производителя. В рамках
рабовладельческого общества в Древней Греции сложились первые в истории
принципы демократии, которые дали возможность сформироваться передовым идеям,
утверждавшим красоту и величие человека. Произведения греческого искусства
поражали последующие поколения глубоким реализмом, гармоническим совершенством,
утверждением высокого нравственного начала, красоты, силы, достоинства
человека. Не случайно Софокл, великий творец трагедий, мог сказать в своей
“Антигоне”: “Много в природе дивных сил, но сильней человека нет”.
Весь уклад жизни и в период архаики и,
особенно в годы расцвета города-государства носил по преимуществу общественный
характер; большую часть своего досуга свободнорожденный проводил не в своем
узком семейном кругу, а на площади народных собраний, в храме, в палестрах, в
театре. На людях, в коллективе проходила самая интересная и содержательная
часть личной деятельности и личного досуга свободного гражданина. В этих
условиях искусство не могло не иметь общественно-воспитательного характера.
В частном пользовании отдельного гражданина
находились только художественно исполненные вазы, небольшие статуэтки и другие
произведения, главным образом прикладного искусства, которые служили для
украшения интерьера дома. Такие виды искусства, как скульптура и живопись, не
говоря уже об архитектуре, вплоть до 4 в. до н. э. принадлежали непосредственно
общине.
История Древней Греции и соответственно
история греческого искусства прошла следующие ступени своего развития.
1. Так называемая гомеровская Греция (12 - 8
вв. до н.э.) - время распада родовой общины и зарождения рабовладельческих
отношений. На этот период приходится развитие эпоса и появление первых,
примитивных памятников изобразительных искусств.
2. Архаика, или период образования рабовладельческих
городов-государств (7 - 6 вв. до н. э.). Это - время борьбы складывающейся
собственно античной демократической художественной культуры с остатками и
пережитками старых общественных отношений и с условными, еще далекими от
реализма художественными тенденциями. Время это отмечено сложением и развитием
греческой архитектуры, скульптуры, художественных ремесел, расцветом лирической
поэзии.
3. Классика, или период расцвета греческих
городов-государств (5 и большая часть 4 в. до н.э.). Период первого расцвета
античного рабовладельческого общества на ранней стадии его развития. Классика -
это время высокого расцвета философии, важных естественнонаучных открытий,
блестящего развития поэзии и в особенности драмы, высочайшего подъема в
архитектуре и полной победы реализма в изобразительных искусствах. В конце
этого периода (4 в. до н.э.) наступает первый кризис рабовладельческого
общества, развитие полиса приходит к упадку, что во второй половине 4 в.
вызывает кризис искусства классики.
4. Эллинистический период (конец 4 - 1 в. до
н.э.) - период кратковременного выхода из кризиса рабовладельческого общества
путем образования больших империй. Очень скоро, однако, наступило неизбежное
обострение всех неразрешимых противоречий рабовладения, разорение и бесправие основной
массы свободного населения, чудовищное богатство крупных рабовладельцев и утеря
гражданских свобод. Искусство постепенно теряет тот дух гражданственности и
народности и ту высокую реалистическую типизацию, которые ему раньше были
свойственны. В дальнейшем эллинистические государства были завоеваны Римом и
включены в состав его державы, а их искусство частично растворилось в римском
искусстве.
Наиболее своеобразным и характерным периодом в
развитии древнегреческого искусства является период классики, период наивысшего
расцвета античного искусства и культуры, когда раскрылись во всей полноте
наиболее прогрессивные черты рабовладельческой демократии.
1.
Гомеровская Греция
Древнейший период развития греческого
искусства носит название гомеровского по имени легендарного автора эпических
поэм “Иллиада” и “Одиссея”, описавшего это время.Изобразительные искусства и
архитектура гомеровской Греции при всем их непосредственно народном
происхождении не достигли ни широты охвата общественной жизни, ни художественного
совершенства эпической поэзии.
Начальный этап собственно греческого искусства
- геометрика (IX - VIIIв. до н.э.) - возвращение к
древнему знаково-символическому языку. Самое яркое своё выражение геометрика
нашла в керамике. Вазы, так называемого “геометрического стиля” отличаются
благородством, четким решением композиции, строгостью силуэта, подчёркнутого
росписью. Роспись наносилась коричневой краской по бледножелтоватому фону
глиняного сосуда. Орнамент покрывал вазу обычно в верхней ее части рядом
кольцевых поясов, иногда заполнявших всю ее поверхность. Повсюду возникали
школы керамики. Геометрические вазы предназначались для погребальных ритуалов:
в них хоронили прах умерших, клали в качестве дара в могилы, а в Аттике ставили
в качестве надгробия.
Наиболее полное представление о
“геометрическом стиле” дают так называемые дипилонские вазы, относящиеся к 9 -
8 вв. до н.э. и найденные археологами на древнем кладбище близ Дипилонских
ворот в Афинах (илл. 1). Эти очень большие сосуды, высотой иногда почти в рост
человека, имели погребальное и культовое назначение, по форме повторяя глиняные
сосуды, служившие для хранения больших количеств зерна или растительного
масла. На дипилонских амфорах орнамент особенно обилен: узор состоит чаще
всего из чисто геометрических мотивов, в частности плетенки-меандра (меандровый
орнамент сохранялся в качестве орнаментального мотива и на всем протяжении
развития греческого искусства). Кроме геометрического орнамента широко
применялся схематизированный растительный и животный орнамент. Фигуры животных
(птиц, зверей, например лани и др.) многократно повторяются на протяжении
отдельных полос орнамента, придавая изображению ясный, хотя и однообразный
ритмический строй.
Важной
особенностью более поздних дипилонских ваз (8 в. до н.э.) является введение в
узор примитивных сюжетных изображений со схематизированными, сведенными почти к
геометрическому знаку фигурами людей. Эти сюжетные мотивы очень разнообразны
(обряд оплакивания умершего, состязание колесниц, плывущие суда и т. п.). При
всей своей схематичности и примитивности фигуры людей и особенно животных
обладают известной выразительностью в передаче общего характера движения и
наглядностью рассказа. По отношению к искусству доклассового общества эти вазы
безусловно знаменуют шаг вперед.
2.
Архаика
Период архаики был периодом расцвета
художественных ремесел. Потребность в изделиях прикладного искусства вызывалась
ростом благосостояния значительной части свободного населения и развитием
заморской торговли. Особенно высокого расцвета достигла греческая керамика
(слово “керамика” произошло от греческого “керамус” – гончар; одно из
предместий Афин – Керамик особенно славилось в 6 и 5 вв. до н. э. своими
гончарами).
Греческие вазы служили для самых
разнообразных целей и потребностей. Они были очень разнообразны по форме и
размерам. Обычно вазы покрывались художественной росписью. Лучшие произведения
мастеров архаической вазописи были подлинными художественными созданиями, и,
видимо, сами мастера относились к ним со всей серьезностью и ответственностью.
Не случайно, поэтому, многие вазы носят подпись создавшего их мастера, а иногда
и двух — горшечника и художника. Это, кстати, указывает на выросшее чувство
ценности личности и ее дарований. Конечно, художественно выполненные и богато
расписанные вазы не были предназначены для повседневных бытовых нужд. И все же
расцвет вазописи тесно связан с творческим отношением ремесленника к своему
труду и с его глубоким пониманием единства практической и эстетической ценности
вещи, которое так свойственно народному искусству.
В 7 и особенно в 6 в. до н. э. сложилась
довольно стройная, хотя и допускающая отдельные вариации система постоянных
форм ваз, имевших разное назначение. Так, амфора предназначалась для хранения
вина и масла; кратер — для смешивания (во время пира) воды с вином; из килика
пили вино; в стройном лекифе хранились благовония для возлияний на могилах
умерших. По сравнению с керамикой гомеровского периода формы и пропорции ваз
стали строже и красивее. Своим ясным, тонко почувствованным ритмом,
соразмерностью всех частей греческие вазы превзошли сосуды и Древнего Египта и
Эгейского мира. Размещение рисунков на вазах и их композиционный строй были
тесно связаны с формой вазы.
Эволюция вазовых росписей шла от схематичных и
отвлеченно-декоративных изображений к композициям развернуто сюжетного
характера, наглядно повествующим о действиях и поступках изображенных героев.
Смелые реалистические искания художников-вазописцев часто опережали развитие
скульптуры.
Во
времена ранней архаики (кон 8 -7 в. до н. э.) геометрический стиль стал
сменяться ориентализирующим (то есть подражающий Востоку). Отличительная черта
- появление обмазки - тонко приготовленной и очищенной глины, которая скрывала
грубоватый материал, из которого изготавливалась ваза и позволяла наносить
росписи не только чёрным лаком, но и разжиженным до получения различных
оттенков коричневого, сероватого, красного, оранжевого, золотистого. С этого
времени две накладные краски, пурпурная и белая, часто применялись для обогащения
живописных композиций.
Центрами этого направления были торговые
города островной и малоазийской Греции, а также Коринф. Вазы с островов Мелоса,
Родоса и из Коринфа (илл. 2) отличались нарядностью росписи, носившей в
основном декоративный характер. Целый ряд мотивов орнамента благодаря торговым
и культурным связям был заимствован с Востока. Художники этих ваз соединяли в
одной композиции схематичные изображения человека, животных или фантастических
существ с чисто орнаментальными мотивами, стремясь заполнить все поле
композиции, не оставляя пустых мест, и этим создать впечатление декоративного
целого. Принципиальной разницы между изображением людей и орнаментом мастер не
видел. Часто центр росписи – символическое древо жизни (финик, пальметта,
четырёхлистник, волюта и т.д.)
В 6 в. до н.э. на смену ориентализирующему
стилю пришла так называемая чернофигурная вазопись, зародившаяся еще в 7 в.
Узорный орнамент был вытеснен четким силуэтным рисунком, характеризующим общий
облик фигуры и более или менее выразительно передающим жест и движение. Рисунки
людей и животных заливались черным лаком и отчетливо выделялись на красноватом
фоне обожженной глины; иногда добавлялись белый цвет и процарапывание узора
одежды, волос и т. п. по поверхности лака. Последовательно проходившая перед
зрителем вереница фигур развертывала ясную и понятную ленту повествования.
Так, на одном коринфском кратере середины 6 в.
до н.э. изображен бег колесниц, медные треножники, предназначенные в награду
победителю, и зрители, приветствующие победителей.
Наибольшего расцвета чернофигурная вазопись
достигла в Аттике. Кратер Клития, выполненный в мастерской Эрготима около 560
г. до н.э. (так называемая “Ваза Франсуа”; илл. 3), может дать представление
обо всем изобразительном богатстве чернофигурной вазописи. Рисунок на огромном
кратере разбит на ряд поясов. Большинство из них носит конкретный сюжетный
характер и посвящено рассказам о целом ряде событий (охота на каледонского
вепря, состязание колесниц и т. п.). Центральную часть занимает изображение
бракосочетания родителей Ахилла — Пелея и Фетиды. Ниже изображен Ахилл,
преследующий Троила; самый нижний ряд заполнен изображениями животных и
чудовищ. Человеческие фигуры лишены какой-либо индивидуальной характеристики:
они плоскостны, и их движения резки и угловаты; животные (особенно лошади)
точнее по рисунку, изящнее и живее. Каждая полоса в отдельности дает затейливый
ритмический узор и вместе с тем наглядный рассказ, изобилующий подробностями;
оформление вазы в целом представляет собой явный пример перехода от “коврового”
заполнения всей поверхности вазы к более строгой композиционной архитектонике.
Крупнейшим аттическим вазописцем середины 6 в.
до н.э. (550 - 530), с наибольшей силой раскрывшим все живые и прогрессивные
стороны чернофигурной вазописи, был Эксекий. В его руках мифологические
сказания и эпизоды из гомеровского эпоса превратились в выразительные сцены,
хотя он сохранил еще ограниченные стороны силуэтного рисунка. Таков, например,
рисунок на амфоре, изображающий Аякса и Ахилла, играющих в кости (илл. 4); их
восклицания написаны тут же, рядом с фигурами.
Представление о высоком мастерстве Эксекия
дает изображение Диониса в ладье (роспись дна килика), отличающееся тонким
чувством ритма и мастерством композиции (илл. 5). Изображен миф о Дионисе - о
его чудесном спасении от морских разбойников, которых он превратил в дельфинов.
Удлиненные и изогнутые силуэты корабля и дельфинов великолепно вписаны в круг.
Разбросанные по полю композиции дельфины с выгнутыми спинами создают полную беспокойного
движения игру линий, напоминающую о плеске волн. Большая по сравнению с ними
ладья со стремительно выгнутой линией борта, с наполненным ветром парусом как
бы плавно скользит по поверхности моря. Прихотливый узор виноградной лозы,
выросшей на мачте, венчает композицию.
Если килик Эксекия поражет утонченной поэзией
и глубоким пониманием гармонии композиции, то росписи Андокида (третья четверть
6 в. до н.э.) замечательны смелым введением в силуэтную чернофигурную вазопись
обильных реалистических мотивов, вступающих норой в противоречие с приемами
плоскостной архаической вазописи. Хорошее представление о творчестве Андокида
может дать амфора, выполненная в его мастерской, с изображением Геракла и
Цербера (Музей изобразительных искусств имени Пушкина). Следует отметить живое
движение Геракла, ставшего на одно колено и приманивающего Цербера.
Росписи поздних чернофигурных ваз дали впервые
в греческом искусстве образцы многофигурной композиции, в которой все
действующие лица находились в реальной взаимосвязи, диктуемой характером
события.
По мере дальнейшего нарастания реализма в
греческом искусстве в вазописи наметилась тенденция к преодолению плоскостности
и условности, заложенной во всей художественной системе чернофигурной вазописи.
Это привело около 530 г. до н.э. к целому перевороту в технике вазовой росписи
— к переходу к так называемой краснофигурной вазописи со светлыми фигурами на
черном фоне. Законченные образцы новой техники были созданы в мастерской
Андокида, но в полную меру все художественные возможности краснофигурной
вазописи были раскрыты уже в период классического искусства.
Таким образом, в вазописи, как и в
архитектуре, к концу архаического периода получили исключительно важное
значение реалистические тенденции, во многом подготовившие победу реализма в
искусстве Греции эпохи классики.
3.
Классика
С первых десятилетий 5 в. до н.э. начался
классический период развития греческой культуры и греческого искусства. Для
Древней Греции это был период наивысшего расцвета драмы, политического красноречия,
архитектуры, скульптуры, монументальной живописи и вазописи. Высоко
совершенное, последовательно реалистическое и полное глубокого чувства красоты,
искусство греческой классики определило собой новый и наиболее важный этап в
развитии всего мирового искусства.
Центром развития классической эллинской
культуры стали в основном Аттика, северный Пелопоннес, острова Эгейского моря и
отчасти греческие колонии в Сицилии и Южной Италии — так называемая Великая
Греция. Малоазийские города (Милет и др.), хотя и оправились от разгрома,
учиненного персами, но уже не могли играть былой ведущей роли в экономической и
культурной жизни Греции.
Время наивысшего расцвета древнегреческого
искусства — в “эпоху Перикла” — продолжалось примерно также четыре десятилетия
— с 450 по 410 г. до н.э. Художественные создания периода высокой классики
отличались героической величавостью, монументальностью и гармоничностью
человеческих образов и одновременно жизненной непринужденностью,
естественностью и простотой.
К концу 5 в. до н.э. растущее применение
рабского труда начало отрицательно сказываться на процветании свободного труда,
вызывая постепенное обнищание рядовых свободных граждан. Разделение Греции на
независимые и соперничающие друг с другом полисы начало тормозить дальнейшее
развитие рабовладельческого общества.
В этот период поздней классики искусство
развивалось в условиях кризиса греческого рабовладельческого полиса. Оно в
некоторой мере утратило героический, гражданственный характер, ясную гармонию
своих монументальных образов. Вместе с тем в искусстве великих мастеров поздней
классики разрабатывались новые задачи раскрытия в образах искусства мира
внутренних переживаний человека иди бурной, беспокойной человеческой
деятельности. Их искусство стало более драматичным и лиричным, более
психологически углубленным.
Македонское завоевание во второй половине 4 в.
до н.э. положило конец самостоятельному существованию греческих
городов-государств. Оно не уничтожило традиции греческой классики, но в целом с
этого времени развитие искусства пошло по другим путям.
3.1 Ранняя классика
Черты архаической условности некоторое время
еще давали о себе знать и в вазописи, и, особенно, в скульптуре. Но это были
теперь только лишь быстро уходящие в прошлое пережитки архаической традиции.
Все греческое искусство в течение первой трети 5 в. до н.э. было пронизано
напряженными поисками методов реалистического изображения человека, в первую
очередь правдивой передачи движения, так же как и создания естественной,
свободной от принципов декоративной симметрии групповой композиции. В вазописи,
а затем и в скульптуре и монументальной живописи победил реализм. Решительно
расширился круг тем и сюжетов.
Период расцвета города-государства был и
периодом расцвета художественных ремесел различных видов прикладного и
декоративного искусства. Ведущее место среди них продолжала сохранять керамика,
украшенная высокохудожественной росписью.
Вазопись была проникнута традициями народного
художественного ремесла с его чувством художественной ценности каждой вещи,
созданной творческим трудом человека. Хотя лучшие вазы, выполненные крупнейшими
и ведущими художниками, в большинстве своем и предназначались для культовых
приношений или служили для украшения праздничных пиров — все же именно живая и
постоянная связь с народным искусством мастеров-горшечников и
мастеров-рисовальщиков определяла их высокое художественное совершенство.
В период ранней классики реалистические
тенденции передовых художников-вазописцев поздней архаики получили быстрое и
глубокое развитие, став уже в годы греко-персидских войн господствующими.
Краснофигурная техника в это время окончательно вытеснила чернофигурную. Она
давала возможность реалистически изображать объем и движение, строить любые
ракурсы, естественно и свободно моделировать человеческое тело.
Художественное мировоззрение классики,
основанное на глубоком интересе к окружающей жизни и к реальному человеку,
быстро расширило круг возможностей реалистического изображения, заключенный в
краснофигурной технике. Вместо плоскостного силуэта чернофигурной вазописи
художники стали строить трехмерные тела, взятые в самых разнообразных и живых
поворотах и ракурсах. Эта свободная и убедительная передача движения, далекая
от условной игры черных пятен и процарапанных по черному лаку линий,
дополнялась еще и большей естественностью красноватого цвета глины, которой
пользовались теперь для изображения человеческих фигур, так как он несравненно
ближе был представлению о загорелом обнаженном теле, чем блестящий черный цвет
лака. Черные линии рисунка на светлом фоне глины передавали теперь мускулы и
детали тела, позволяя реалистически воспроизводить строение тела человека и его
движение. Это дало мощный толчок развитию искусства рисунка.
Мастера краснофигурной вазописи стремились не
только конкретно изображать тело и движение человека — они пришли к новому,
реалистическому пониманию композиции, постоянно рисуя сложные сцены
мифологического и бытового содержания. В некоторых отношениях развитие вазописи
опередило развитие скульптуры. В вазописи многие реалистические открытия,
аналогичные открытиям скульптуры второй четверти 5 в. до н.э., появились уже в
последние годы 6 в. и в первые десятилетия 5 в. до н.э., то есть в период после
реформ Клисфена и в годы войны.
Композиция вазописи ранней классики
становилась все более законченной и целостной, она была естественно ограничена
внутренней поверхностью плоской чаши или боковой поверхностью между ручками
вазы. В пределах отведенной для композиции поверхности вазы художники-вазописцы
с исключительной свободой и наблюдательностью передавали самые разнообразные
сцены повседневной жизни, так же как и героические события мифов и гомеровского
эпоса. Традиционные мифические сюжеты переосмыслялись, насыщаясь новыми
мотивами, почерпнутыми из жизни.
Виднейшими мастерами вазописи этого времени
были Евфроний, Дурис и Бриг, работавшие в Афинах. Всем им было свойственно
стремление к естественности изображения. Но степень новизны, то есть
освобождения от архаической условности и завоевания реалистической свободы, была
у них неодинаковой.
Больше других был связан с архаической
узорностью и орнаментальностью старший из этих мастеров - Евфроний (работавший
в самом конце 6 в. до н.э.; позднее он стал владельцем мастерской, где работали
другие рисовальщики).
В вазах, расписанных Евфронием, с изображением
Тезея у Амфитриты (илл. 6) или гетер, играющих в коттаб, стремление к слишком
свободным и сложным раккурсам и движениям, при отсутствии еще разработанного
метода реалистического рисунка, привело к условной плоскостности некоторых
деталей; много места у Евфрония занимают и чисто декоративные элементы: узоры
на одеждах и т. п.
Позже, в первой четверти 5 в. до н.э. мастера
научились находить такие художественные средства изображения движения, которые
могли, не разрушая целостности поверхности сосуда, давать ощущение трехмерной
пространственности рисунка, и это привело к окончательному преодолению
архаического принципа плоскостности изображения. Правда, вазопись на всем
протяжении 5 в. до н.э. оперировала в основном графическими средствами
изображения, не преследуя собственно живописных задач (например, передача
светотени). От архаики оставались в течение некоторого времени лишь элементы
нарядности, изощренного линейного контура, игравшего в какой-то мере еще чисто
декоративную роль. Именно такие отзвуки архаического искусства имеются в
некоторых работах Дуриса — одного из самых замечательных рисовальщиков ранней
классики.
В вазах, рисунки которых исполнены Дурисом,
чувствуется зависимость его художественных приемов от характера сюжета; больше
нарядности и орнаментального ритма в рисунках на мифологические темы (“Эос с
телом Мемнона”; илл. 7), больше простоты и непринужденной свободы в рисунках на
темы повседневной жизни (“Школьная сцена”). Поразительны легкость и
виртуозность построения художником любой сложной позы, любого реального жеста
(например, в изображении сидящего учителя).
Ближе к началу второй четверти 5 в. до н.э.
многочисленнее и совершеннее становятся композиции, сознательно ставящие задачу
органической связи жизненно естественного изображения с формой и ритмическим
строем сосуда. Мастера вазописи все более ясно стали представлять себе, что
архитектурная красота форм сосуда никогда не должна разрушаться изображением,
что их тесная связь должна служить к их взаимной пользе. Таков рисунок работы
Брига (около 480 г. до н.э.), украшающий дно чаши для вина, хранящейся в
Вюрцбургском музее. Кстати, сама тема последнего рисунка непосредственно
связана с назначением сосуда: добросердечная девушка поддерживает наклоненную голову
злоупотребившего вином юноши. Обладатель чаши, осушая ее, имел возможность
созерцать на ее дне это шутливое напоминание о необходимости знать меру всем
вещам. Две стоящие фигуры превосходно вписаны в круглое дно чаши, и вместе с
тем они отличаются на редкость смелым и простым построением трехмерной формы.
Глубокое уважение к ценности и красоте реальной человеческой жизни дало
возможность Бригу наполнить даже такую прозаическую тему подлинным изяществом.
Бриг был смелым пролагателем новых путей, и
его открытия сыграли важнейшую роль в становлении реалистических принципов
классики. По сравнению с Евфронием Бриг в своем творчестве сделал большой шаг
вперед. Его рисунки, очень разнообразные по темам, жанровым и мифологическим,
не только отличаются жизненной непосредственностью и естественной простотой, но
и решают многие задачи драматического построения действия. Его ваза,
посвященная Троянской войне (илл. 8), отличается подлинным пафосом изображения
битвы, напоминавшего современникам Брига события греко-персидских войн.
Меньшая зависимость художников-вазописцев от
сковывающей архаической традиции и их непосредственная связь с художественным
ремеслом приводили к тому, что реалистический характер художественной культуры
ранней классики сказался в вазописи не только раньше, но и в более широком
обращении к повседневному быту, чем это могло иметь место в монументальной
скульптуре. Можно даже предположить, что мастера монументальной скульптуры
пользовались опытом передовых мастеров вазописи, которые в начале 5 в. до н.э.
опередили скульпторов именно в области передачи действия и движения человека.
Очень интересно изображение мастерской
скульптора на чаше неизвестного мастера 480-х гг., полное глубокой серьезности
и уважения к труду. Правда, здесь показано художественное ремесло, более
уважаемое благодаря значению его изделий. О работе скульптора рассказано очень
подробно и точно: вокруг печи для отливки бронзы работают мастера, монтируется
готовая статуя, развешаны инструменты и бронзовые рельефы. Но обстановка дана
лишь этими предметами -художник не изображает стен, на которых они висят: в
вазописи, как и в скульптуре или монументальной живописи, окружающая человека
среда не интересовала художника, который показывал только людей — их действия,
выразительную осмысленность, целесообразность их движений и поступков. Даже
инструменты, которыми действует человек, и плоды его труда показывались лишь
для того, чтобы был понятен смысл действия, — вещи, как и природа, занимали
художника только в их отношении к человеку. Этим объясняется отсутствие пейзажа
в греческой вазописи — как ранней, так и высокой классики. Отношение человека к
природе, к ее силам и явлениям передавалось через изображение самого человека,
через его реакцию на явление природы.
Так, лирика наступающей весны воплощена на
краснофигурной “вазе (пелике) с ласточкой” (конец 6 - начало 5 в. до н.э.;
Государственный Эрмитаж) в изображении мальчика, юноши и взрослого человека,
увидевших вестницу весны - летящую ласточку (илл. 9). Три фигуры, различные и
по своему сложению и по своим позам, связаны одним действием и образуют
целостную и живую группу. Общее чувство, объединяющее этих людей, смотрящих
вверх на ласточку, выражено в надписях, сопровождающих каждую фигуру и
связанных в короткий диалог. Юноша, первым увидевший ласточку, говорит:
“Смотри, ласточка”; его старший собеседник подтверждает: “Правда, клянусь
Гераклом”; мальчик радостно восклицает, заключая беседу: “Вот она — уже весна!”
Во второй четверти 5 в. до н.э. греческая
вазопись приобретает невиданную ранее строгую и ясную гармонию, но она вместе с
тем в какой-то мере теряет ту непосредственную остроту и яркость, какой
отличались работы первых вазописцев классического искусства — Дуриса или Брига.
Но вазопись этого времени, так же как и монументальную живопись, целесообразнее
рассмотреть вместе с искусством Эпохи Перикла — искусством высокой классики.
3.2.
Высокая классика
Вторая половина 5 в. до н. э. – время расцвета
всех видов искусства и наиболее гармоничного воплощения всех идеалов классики.
Ведущее место среди полисов Греции продолжают занимать Афины, которые в период
правления Перикла переживают золотой век своего экономического, политического и
культурного развития.
Вазопись в эпоху высокой классики развивалась
в тесном взаимодействии с монументальной живописью и скульптурой.
Опираясь на реалистические завоевания первой
трети века, вазописцы высокой классики, однако, стремились умерить ту резкость
в передаче деталей натуры или мотивов движения, которая встречалась ранее.
Большая ясность и гармоничность композиции, величавая свобода движения и,
главное, большая духовная выразительность стали характерными чертами вазописи
этого времени. Вместе с тем вазопись несколько отошла от той конкретной
жанровости сюжетов, которая наблюдалась в первой трети века. В ней появилось
больше героических изображений на мифологические темы, сохранявших всю
человечность ранней классики, но явно искавших монументальной значительности
образа.
Вазописцев середины 5 в. до н.э. стало
привлекать изображение не только действия, но и душевного состояния героев, —
углубилось мастерство жеста, цельность композиции, хотя и за счет некоторой
утраты той непосредственности и свежести, какие отличали творения Дуриса или
Брига. Как и в скульптуре высокой классики, в образах вазописи этого времени
передавались самые общие состояния человеческого духа, еще без внимания к
конкретным и индивидуальным чувствам человека, к их противоречиям и конфликтам,
к смене и борьбе настроений. Все это еще не входило в сферу внимания
художников. Зато ценой некоторой обобщенности чувства было достигнуто то, что
человеческие образы, созданные вазописцами середины 5 в. до н.э., обладают
такой типичностью и столь ясной чистотой своего душевного строя.
Монументальная строгость и ясность характерны
для росписи знаменитого “Кратера из Орвьето” — хранящейся в Лувре вазы со
сценой гибели Ниобидов на одной ее стороне и изображением Геракла, Афины и
Аргонавтов на другой (илл. 10). Фигуры свободно и естественно расположены по
поверхности вазы, хотя для сохранения целостности этой поверхности художник
избегает перспективных уменьшений, фигур, по смыслу размещенных на втором
плане. Мастерское владение раккурсами, живые, естественные позы фигур подчинены
строгому, спокойному ритму, объединяющему изображение со столь же гармоничной
формой вазы. В “Кратере из Орвьето” краснофигурная вазопись достигает одной из
своих вершин.
Примерами вазописи высокой классики могут
служить такие сделанные во второй половине века рисунки, как “Сатир, качающий
на качелях девушку во время весеннего праздника” как “Полиник, протягивающий
ожерелье Эрифиле” (так называемая “Ваза из Лечче”; илл. 11) и многие другие.
Около середины века получили широкое
распространение лекифы с росписью по белому фону, служившие для культовых целей
(связанных с погребением умерших). В них нередко рисунок достигал особенной
непринужденной легкости (подчас переходившей в небрежность); он наносился
черным лаком, обрисовывая основные линии фигуры, и после обжига раскрашивался
(почему иногда из-за стершейся краски фигуры выглядят обнаженными). Образцом
мастерского рисунка на белом фоне является изображение девушки, приносящей дары
умершему, на аттическом лекифе Бостонского музея (илл. 12).
К концу 5 в. до н.э. вазопись начала приходить в упадок. Уже Мидий и его
подражатели стали перегружать рисунки на вазах декоративными деталями; в этой
нарядной узорной орнаментации фигуры людей, изображенные в затейливых ракурсных
построениях, потеряли свое первенствующее значение — они стали безличными и
одинаковыми, теряясь посреди развевающихся драпировок. Кризис свободного труда
в конце 5 в. особенно пагубно отразился на творчестве мастеров-керамистов и
рисовальщиков. Вазопись начала утрачивать художественное качество, превращаясь
постепенно в механическое и безликое ремесло.
3.3 Поздняя
классика
Концентрация
всё больших богатств в руках крупных рабовладельцев приводит в конце 5 в. до н.
э. к падению значения свободного труда в полисах, к кризису рабовладельческой
демократии. Распад полисов повлёк в философии и искусстве утрату идеала
свободного гражданина. Трагические конфликты общественной действительности
вызвали появление более сложного взгляда на явления жизни, на человека, привели
к значительным изменениям в области искусства, которое обретает в известной
мере противоречивый характер. Художники всё чаще обращались к таким сторонам
бытия человека, которые не укладывались в мифологические образы и представления
прошлого. Были достигнуты первые успехи в раскрытии духовной жизни личности.
Зарождается, хотя и в самых общих чертах, интерес к быту и характерным
особенностям психологического склада человека.
Прикладные искусства в период поздней классики
продолжают процветать. Однако наряду с собственно греческими центрами
художественных ремесел в последней трети 4 в. до н.э., особенно в эпоху
эллинизма, получают развитие центры малоазийские, Великой Греции (Апулия,
Кампанья) и Северного Причерноморья. Формы ваз все более усложняются; чаще, чем
в 5 в. до н.э., встречаются вазы, подражающие в глине технике дорогих
серебряных ваз с их сложной и тонкой чеканкой и профилировкой. Очень широко
применяется раскраска выпуклых рельефных изображений, помещаемых на поверхности
вазы.
Появление ваз такого рода было следствием
роскоши и пышности частной жизни, характерной для богатых домов 4 в. до н.э.
Относительное экономическое процветание в 4 в. греческих городов южной Италии
определило особенно широкое распространение ваз такого стиля именно в этих
городах.
Часто создают мастера керамики 4 в. до н.э. и
фигурные вазы. Причем, если в 5 в. до н.э. мастера ограничивались обычно
изображением головы человека или животного, реже отдельной фигурой, то в 4 в.
они часто изображают целые группы, состоящие из нескольких тесно сплетенных и
ярко раскрашенных фигур. Таков, например, скульптурный лекиф “Афродита в
сопровождении двух Эротов” малоазийского происхождения.
Однако в целом прикладные искусства и особенно
вазопись не достигают в 4 в. до н.э. того высокого художественного совершенства
той тонкой связи композиции с формой сосуда, которые были столь типичны для
вазописи 5 в.
4.
Эллинизм
К концу 4 в. до н. э. на развалинах громадной
державы Александра Македонского возникли государства нового типа –
деспотические монархии, которые вступили в новый период исторического и
культурного развития, получивший условное название эллинизма. Этот этап в
развитии античного общества характеризуется сочетанием восточной и греческой
форм общественного устройства, нарастающим контрастом между колоссальным
богатством рабовладельческой верхушки и нищетой народных масс, безраздельной
властью монарха и, по существу, полным бесправием граждан. Греция утратила
былое экономическое и политическое значение. На первое место выдвинулись
большие эллинистические государства: Египет, царство Селевкидов в Сирии, Пергам
в Малой Азии, Родос и др.
Эпоха эллинизма была отмечена крупными
научными открытиями, развитием точных и естественных наук, материалистической
философией, глубоким интересом к моральным и эстетическим проблемам.
Расширилась тематика, разрабатывались разнообразные художественные жанры.
Получила широкое развитие мелкая пластика, а также садово-парковая скульптура.
Наряду с мифологическими темами распространялись аллегорические, исторические,
жанровые, а также портрет и пейзаж. Сильнее проявился интерес к повседневной
жизни, к натуралистическим деталям и подробностям.В вазописи эллинизма, в
глиптике, торевтике, художественных сосудах из стекла прослеживаются общие для
этой эпохи тенденции.
Условия жизни в эпоху эллинизма в большой мере
способствовали расцвету прикладного искусства. Возникшие перед мастерами того
времени задачи художественного убранства дворцов и богатых домов, характерное
для эпохи стремление к украшению быта были причиной создания большого числа
произведений прикладного искусства.
Со временем, изображение в вазописи
становится всё более рельефным и к концу 4 в до н.э. совсем исчезает. В эпоху
эллинизма в моду вошли простые цветные вазы, украшенные лишь рельефными
изображениями.
Завершением
долгого пути развития греческой керамики некоторые считают 317 г. до н.э.,
когда правитель Афин Деметрий Фалерский издал закон, запрещавший роскошь.
Бытовая же керамика почти не дошла до нас. Изменилось в афинской керамике и
содержание изображения. С одной стороны, все чаще стали появляться
мифологические мотивы, связанные с винопитием. Многочисленные пиры, игры,
связанные с дионисийским культом, буквально заполоняют поверхности сосудов. С
другой стороны, сосуды все больше становятся атрибутами богов и богинь.
Соответственно, и их изображения появляются на сосудах. Это Пандора,
открывающая теперь уже ящик; Немезида с вазой полной богатств и почета для
награждения достойных; Геба как виночерпий огов; юноша Гилас, силящийся
вырваться из рук коварных нимф; Кадм, убивающий змея, обвившего горшок.
Подводя общие итоги обзору эллинистического
искусства, следует отметить его огромное значение в развитии искусства в
античный период и в последующие эпохи.Накопленный эллинистическими зодчими опыт
в решении таких важных вопросов, как принципы градостроительства, проблемы
архитектурного ансамбля и парковой архитектуры, имел чрезвычайно большое
значение для архитектуры Древнего Рима и для зодчества последующих эпох. Еще
более велика в этом смысле роль эллинистического изобразительного искусства;
принципы греческого реалистического искусства распространились в ту пору в
искусстве не только собственно эллинистических государств, но и во многих
сопредельных странах. Эллинистическая скульптура и живопись явились одними из важных
слагаемых в создании древнеримского искусства, а впоследствии — в формировании
средневекового искусства в Византии и странах Ближнего Востока. Эллинистическое
искусство было одной из важных ступеней в развитии реализма; лучшие
произведения этой эпохи являются памятниками, сохраняющими непреходящую
художественную ценность.
Скифос
Килик
Алабастр
Лекиф
Лекиф Амфора
Ойнохойа
Гидрия Лекиф
Стамнос Кратер
Пелика
Список
используемой литературы:
1.
Всеобщая
история искусств. Том 1. 1956г.
2.
История зарубежного искусства. 1980г.
“Изобразительное искусство” Москва.
3.
Информационные материалы ГМИИ им. А.С. Пушкина
|
